5 caminos confiables a la felicidad

1. Controlamos la mitad de nuestra felicidad. Un estudio de la U. de Edimburgo y el Instituto Queensland dice que cerca de un 50% de la felicidad está determinado por los rasgos de personalidad; por la genética. Y que la otra mitad recae directamente sobre nosotros y se relaciona con factores como las relaciones sociales, la salud y el trabajo.

2. El dinero no compra la felicidad. A menos que lo compartamos con otros, dice una investigación de EE.UU. El estudio señala que tener altos ingresos se relaciona con la felicidad, pero sólo cuando gastamos una parte de ellos en regalos o en donaciones. Incluso cuando no pasa por nosotros la decisión de gastar nuestro dinero en otros, nos sentimos felices.

3. Las relaciones sociales son clave. El amor romántico, ese que va más allá de la pasión, es crucial para sentirse satisfecho y feliz, de acuerdo con un compendio de 25 estudios. Y una investigación de la U. de Greenwich probó que los adultos mayores con fuertes relaciones de amistad se sienten hasta un 30% más felices que aquellos que sólo dependen de sus familias.

4. Un premio sólo da felicidad temporal. Tras la euforia, los que reciben de improviso cifras millonarias vuelven muy pronto a su estado inicial, ya que toma dos años acostumbrarse al cambio de vida, según descubrió el profesor Andrew Oswald, de la U. de Warwick, Inglaterra. Y Daniel Gilbert, investigador de Harvard, dice que ganarse un premio tiene muy poco impacto, pues sus efectos desaparecen alrededor de tres meses después.

5. Son las experiencias las que nos hacen felices, no las cosas. La gente que gasta su dinero en experiencias como irse de vacaciones, se siente más feliz que los que se compran un auto nuevo o arreglan la casa, dice un estudio de la U. Cornell. Esto, porque nuestra memoria guarda una fotografía emotiva de la experiencia, mientras que lo material no impacta significativamente nuestros cerebros.

Fernando Lamas, Parasite doll$

Ate conceptual sobre plástico y metal, muestra colectiva de arte bizarro 2009.

El artista chileno que quiere conquistar el mundo

Cristóbal Lehyt llegó a EEUU soñando ser artista. Fue en 1995, cuando tenía 22 años, había cursado sólo tres años en la Facultad de Arte de la Universidad Católica y su escuálida obra no había sido expuesta nunca. Pero tenía decisión. Sin un currículum que lo avalara, tocó la puerta del taller de Alfredo Jaar en Nueva York y le pidió ser su ayudante. Jaar aceptó. Por 10 años, Lehyt se encargó de que, mientras el artista chileno estuviese de viaje, todo anduviera perfecto con sus obras. "Yo era más bien un junior, veía que todo funcionara bien. Igual aprendí mucho de la actitud de Alfredo Jaar. De cómo ser un artista serio, riguroso y que tus obras sean impecables", dice Lehyt.

Mientras asistía a Jaar, terminó sus estudios en Hunter College y su obra llamó la atención de centros como el Museo Withney, el Museo Queens y el Museo del Barrio de Manhattan. En 2005 dio el salto: ganó la beca Guggenheim para producción artística y dejó a Jaar. Hoy, el autor de This is not America destaca la obra de su antiguo ayudante: "Es notable. Maneja conceptos y formas con una libertad vertiginosa. Cristóbal es un artista que corre riesgos y su obra exige al espectador un esfuerzo intelectual que pocas obras demandan hoy", señala Jaar.

Desde la Gran Manzana, su centro de operaciones, Lehyt se alza hoy como uno de los artistas chilenos más promisorios. En los últimos cinco años su trabajo ha circulado por galerías de EEUU, Alemania, China, México y Río de Janeiro. Y los premios continúan: acaba de ganar la Beca AMA, creada por Juan Yarur para apoyar el trabajo de artistas chilenos en el extranjero. Así, participó en el verano en una residencia en Londres y durante marzo y abril expuso, por primera vez, una selección de obras en la galería House of Propellers, de esa misma ciudad. En su obra, Lehyt reflexiona sobre la identidad nacional, reactualizando, a través de la fotografía, el video y el dibujo, el significado de ser chileno en el extranjero. En Londres mostró algunas esculturas, hechas con cordel, cola fría y pasta de muro, que evocan osamentas teñidas de huano y salitre, como las que se ven en el norte del país. "Esta obra ya la mostré en galería Die Ecke y en la Bienal del Mercosur el año pasado. Luego vendrá algo inspirado en mi residencia en Londres. Me demoro en digerir las experiencias, pero son útiles. En las residencias te obligan a pensar de manera distinta, participas en conferencias, debates y conoces a artistas y curadores", cuenta Lehyt.

CHILENO GRINGO

Radicado en Nueva York hace 15 años, Lehyt siente imposible echar raíces en Chile. "Aquí puedo ver el arte que quiero. Sólo en Chelsea, mi barrio, hay 400 galerías, es el centro del mundo. Además existe una competencia que no hay en otro lugar. Yo soy flojo y me sirve estar con gente que te mantiene despierto, que te obliga a hacer las cosas bien. En cambio, en Chile tienes una muestra increíble y no pasa nada. Acá, el esfuerzo vale la pena", dice el artista.

En la exposición de Londres, Lehyt muestra también algunas de sus obras más rigurosas. Se trata de dibujos que realiza en sesiones de ocho horas seguidas "Son raros, hechos en estado de trance. Hice unos en Alemania, dentro de un castillo, fue una experiencia un tanto terrorífica", cuenta.

Sin embargo, su obra más importante hace siempre referencia a Chile, inspirándose en paisajes, costumbres y tradiciones. En 2009, realizó su mayor muestra en el país, en la sala Telefónica, donde montó una gigantesca escultura de 36 metros de largo hecha con cerámicas de greda de Pomaire, destruidas y amontonadas. Y una segunda, de 12 metros, que asemeja un gran container del puerto de Antofagasta. Igualmente conocida es su serie de fotos y pinturas del desierto chileno, del 2003. "Desde Alemania a EEUU, la gente se relaciona de manera afectiva y espiritual con el desierto. Es súper potente, es como el paisaje cero", dice el artista que en noviembre tendrá una muestra con obras inéditas en el Museo de Artes Visuales. "Mi obra responde a querer sacarse de encima el tema de Chile. Me siento chileno, a pesar de ser muy agringado. La vez que peor hablé sobre mi trabajo fue en una conferencia en el Museo de Arte Contemporáneo. Estaba muy nervioso. No importaba lo famoso que fuese en el extranjero, me preocupaba que mi obra gustara aquí, a la tía, a la abuelita".

Escalera musical sorprende a usuarios de estación Quinta Normal.

Sólo 88 personas utilizaron las escaleras fijas para salir de la estación, versus 1338 que prefirieron las mecánicas, de acuerdo a un sondeo realizado en el metro Quinta Normal durante una mañana de abril. Por esta razón y con el fin de motivar a los chilenos a que utilicen las escaleras fijas y aprovechen esta instancia cotidiana para hacer ejercicios, esta mañana fue inaugurada en la estación Quinta Normal de Metro de Santiago una escalera musical que luce como un piano y suena como tal.

Esta iniciativa se enmarca dentro de la campaña “Sube escaleras y cuida tu corazón”, impulsada por la marca Bonella, y apoyada por Metro de Santiago y la Fundación Salud y Corazón de la Sociedad Chilena de Cardiología (Sochicar), en cuyo lanzamiento estuvieron presentes los hermanos Peralta, quienes con su genio rítmico subieron y bajaron por este piano, impresionando a los usuarios de la estación que se acercaban a ver la escalera musical, que en los próximos días recorrerá otras estaciones.

“Metro de Santiago siempre ha estado con el deporte y la vida sana. Sólo hace algunos días apoyamos la Maratón de Santiago con la apertura anticipada de Línea 1. Hoy estamos con esta novedosa iniciativa, porque en nuestras estaciones muchos usuarios prefieren las escaleras mecánicas por sobre las fijas, costumbre que se repite en centros comerciales, oficinas y espacios públicos. Las escalas mecánicas y ascensores son de preferencia para personas con movilidad reducida. Es importante incentivar a nuestros usuarios que pueden hacerlo a que ocupen las escaleras fijas y que conozcan los beneficios que esto trae para su salud”, señaló Álvaro Caballero, Gerente Comercial y Servicio al Cliente de Metro de Santiago

El doctor Roy Shephard de la Universidad de Toronto sostiene que un ejecutivo sedentario que suba un tramo de escalera a una frecuencia de 30 ó 40 escalones por minuto, usa aproximadamente el 50% de su capacidad aeróbica máxima y realiza un buen trabajo, aunque breve. Shephard recomienda subir 3 tramos, sin detenerse, en 30 segundos, y si es posible de a 2 escalones. Haciendo esto 9 ó 10 veces por día proveerá de un buen programa para mantenerse en forma.

Los usuarios de metro y el público en general pueden informarse de la ruta de la escalera musical a través de la página www.cuidatucorazon.cl, donde además podrán subir sus videos en la escalera y participar en algunos concursos.

Escultura frente a La Moneda será retirada tras reclamo de no videntes

El reclamo de diversas agrupaciones de personas no videntes detonaron la decisión de remover la escultura "Acontecer matérico", ubicada frente al Palacio de La Moneda, por considerar que reviste peligro para los que circulan por el sector.

La obra del artista Federico Assler, que fue instalada en la vereda norte de la Alameda, será retirada tras una decisión de la Comisión Defensora Ciudadana, que acogió los reclamos de los grupos que calificaban de "peligrosa" su posición.

El reclamo formal había sido realizado por Carlos Reyes Barriga, una persona no vidente que resultó accidentada tras impactar la obra, una estructura de cemento en forma de "T" cuya base es compleja de detectar para las personas sin visión.

Alberto Precht, Presidente de la Comisión Defensora Ciudadana, dijo que "esta situación vulnera lo expuesto en la Ley 20.422, que establece Normas sobre Igualdad de Oportunidades e Inclusión Social de Personas con Discapacidad".

"El problema no es la obra artística en sí, sino que la autoridad debe incorporar a las personas no videntes en la planificación y uso de los espacios públicos", agregó Precht. El principal afectado, en tanto, dijo que "lo más importante para mí y para las personas no videntes no es sólo que se retire esta escultura, como sucederá ahora gracias a la mediación de la Comisión Defensora Ciudadana, sino que se tenga en consideración a las personas no videntes al autorizar este tipo de instalaciones".

Estreno Retrato de Mujeres Pioneras y Mudo Corazón

Documental “Retrato de Mujeres Pioneras” y destacado cortometraje “Mudo Corazón” se exhibirán desde el próximo jueves 15 de Abril en Centro Arte Alameda.

Este 15 de Abril se estrena para el público general el documental “Retrato de Mujeres Pioneras”, dirigido por la actriz y realizadora Isabel Burr. La obra narra la historia de un viaje emprendido por una actriz chilena (la misma Isabel Burr), a lo largo de las últimas localidades de la Carretera Austral, para ir en la búsqueda de la esencia de la mujer pionera.
En su viaje, conoce a Doña Marina Verdugo, la protagonista, una anciana de 95 años, quien relata su visión de mundo. A lo largo del relato ella es la encargada de vincular su historia y realidad del sector con las vivencias de otras mujeres patagonas.
Estas historias de vida, impulsan a la actriz a crear un trabajo basado en los relatos que obtuvo, provocando impacto y emoción en las mujeres y en la audiencia.
El documental fue fotografiado por el destacado director de fotografía Antonio Quercia quien además ha participado en importantes trabajos cinematográficos como “El Rey de los Huevones” y la exitosa seria de televisión “Los 80s”.
La cinta se exhibirá en la Sala 1 del Centro Arte Alameda en los horarios de las 19:00 y 21:00 hrs. Antes de cada función se mostrará el documental de la destacada actriz nacional Chamila Rodríguez, “Mudo Corazón”, basado en la poesía de Jorge Teillier y registrado en alta definición.

The party movie

The Party Movie es la primera fiesta que ha sido protagonizada por gente anónima, seleccionada por su originalidad, y que fue rodada en directo para dar lugar a un corto. Un homenaje a todos esos jóvenes que luchan cada día por encontrar nuevos caminos.
Tras un casting presencial de dos semanas en Madrid, y otro virtual vía Youtube en el que se buscaba Gente Original, 100 jóvenes fueron seleccionados para vivir este proyecto fascinante.
El corto, que tiene una estructura documental, cuenta con tres jóvenes, Hyunha Park (bailarina y contorsionista), Spok (grafitero) y Roberto (videoartista) como protagonistas principales.

Estos tres jóvenes desconocidos, innovadores y originales nos hablan sobre sus inquietudes, su concepción de la originalidad, trasladándonos a lo largo del corto a una gran fiesta donde el resto de protagonistas actúan, bailan, rapean, patinan, viven Transmiten su originalidad, la originalidad que celebra adidas día tras día.

El juicio de Paris

En la antigüedad mítica se celebraron unas importantes bodas a la que estaban invitados dioses y mortales. Los contrayentes eran Peleo y Tetis, un mortal y una diosa, lo que explica la afluencia de invitados. Tetis, una nereida, hija de Nereo, antiguo y anciano dios del mar, era, por tanto, una divinidad marina e inmortal y Peleo, discípulo del centauro Quirón, era el afortunado mortal que tenía el privilegio de casarse con una diosa.
Pero no todos habían sido invitados a la fiesta: la diosa Éride (Discordia) quiso hacer notar su ausencia y se presentó en la fiesta con una manzana de oro que tenía grabada la siguiente frase: "Para la más bella". Lanzó la manzana sobre la mesa donde se sentaban los dioses y se fue.
Tres de las diosas presentes en el banquete, Hera-Juno, Atenea-Minerva y Afrodita-Venus, se creyeron merecedoras del título y se lanzaron a por la manzana. La enojosa situación que se produjo entonces no tenía fácil solución y ni el mismo Zeus-Júpiter quiso intervenir en una decisión tan comprometida.
Encargó a su fiel hijo Hermes-Mercurio que condujese a las tres diosas al monte Ida, en la llanura de Troya, y se las presentase a Paris, bello joven, hijo del rey Príamo de Troya, que pastoreaba los rebaños reales en aquel lugar. Él debía ser el encargado de dirimir el pleito, según voluntad de Zeus, y así se lo explicó el dios mensajero Hermes al asustado joven.
Durante el juicio cada diosa hizo valer sus méritos al título pero además le prometieron a Paris beneficiosos dones si éste fallaba a su favor. Hera se comprometió a hacerle soberano de toda el Asia. Atenea le ofreció la prudencia y la victoria en todos los combates y Afrodita le brindó el amor de la mortal más hermosa de Grecia, Helena de Esparta.
Paris dio la manzana a Afrodita, granjeándose así la fiel protección de la diosa para él y los suyos para siempre, y la enemistad de las otras dos diosas lo que quedará reflejado en la Guerra de Troya.

Antiestética

Lo horrendo, grotesco y desconcertante, lo atrozmente impactante, también puede ser bello. La representación de una tortura o de un suplicio inhumano ¿puede ser bella? (Laocoonte). ¿Se puede obtener placer, incluso goce sexual del dolor ajeno o incluso del propio? (Marqués de Sade, Leopold von Sacher-Masoch). Esta reflexión estética y su aplicación en las obras de arte aparece con el prerromanticismo del siglo XVIII y se acentúa con el romanticismo del XIX. Edgar Allan Poe demuestra cómo el principal objetivo del arte es provocar una reacción emocional en el receptor. Lo verdaderamente importante no es lo que siente el autor, sino lo que este hace sentir al receptor de su obra, que debe ser condicionado de manera que su imaginación sea la que construya el mensaje que transmite la obra, sin necesidad de que el autor lo exprese directamente, si es que realmente la obra tiene un solo significado o solo el objetivo de que el receptor imagine. No sólo poemas de ambientación siniestra, sino también escenas grotescas, desde crímenes sádicos al terror más consternador. El arte contemporáneo no buscó principalmente la belleza serena o pintoresca, sino también lo repulsivo o melancólico, y provocar ansiedad u otras sensaciones intensas, como en El Grito de Edvard Munch y en movimientos como el expresionismo y el surrealismo. Se rechaza el arte vacío, que no busque una emoción en el receptor, ya sea una reflexión o un sentimiento, incluidos la angustia o el temor.
Otro modo de entender la antiestética es el rechazo de la estética establecida, entendiendo ésta como la moda o la imagen personal. Es lo que las personas usan para referirse a la belleza.

Estética

La estética es la rama de la filosofía que tiene por objeto el estudio de la esencia y la percepción de la belleza. Formalmente se le ha definido también como "ciencia que trata de la belleza de la teoría fundamental y filosófica del arte". La palabra deriva de las voces griegas αἰσθητική (aisthetikê) «sensación, percepción», de αἴσθησις (aisthesis) «sensación, sensibilidad», e -ικά (ica) «relativo a».
La estética estudia las razones y las emociones estéticas, así como las diferentes formas del arte. La Estética, así definida, es el dominio de la filosofía que estudia el arte y sus cualidades, tales como la belleza, lo eminente, lo feo o la disonancia, desde que en 1750 (en su primera edición) y 1758 (segunda edición publicada) Baumgarten usara la palabra "estética" como "ciencia de lo bello, misma a la que se agrega un estudio de la esencia del arte, de las relaciones de ésta con la belleza y los demás valores". Algunos autores han pretendido sustituirla por otra denominación: calología, que atendiendo a su etimología significa ciencia de lo bello (kalos, «bello»).

Primer libro porno para ciegos

La fotógrafa canadiense Lisa Murphy ha publicado Tactile Minds, el primer libro pornográfico con imágenes en relieve de desnudos y descripciones en braille dirigido a ciegos y discapacitados visuales.

La publicación, que se puede adquirir por unos 170 euros en el Reino Unido, incluye 17 imágenes en relieve realizadas a mano que muestran, por ejemplo, a una mujer desnuda en una "pose de discoteca", unos "pechos perfectos" y un hombre a modo de "robot del amor".

La fotógrafa, que tiene un certificado en gráficos táctiles del Instituto Nacional para Ciegos de Canadá, aprendió a crear imágenes táctiles de animales utilizadas para los libros de los niños con discapacidades visuales.

Descripciones en braile

Murphy ha explicado que con este libro no ha hecho más que llenar un "nicho de mercado" ya que, según ha dicho, "no existen libros con imágenes de desnudos para adultos con problemas de visión".

"Se trata de un producto rompedor. Playboy tuvo una edición con texto en braille entre 1970 y 1985, pero no incluía imágenes", ha explicado Murphy, para quien "los ciegos han sido marginados en una sociedad saturada de imágenes sexuales".

Los relieves van acompañados de descripciones en braille que explican qué ropa llevan los protagonistas de las imágenes, para las que Murphy tomó como modelos a amigos ataviados con máscaras.

Puntillismo

El Puntillismo aparece por primera vez en el Baño de los Independientes de 1884, encabezado por el pintor Neo-Impresionista Georges Seurat y contando con Paul Signac entre sus más fieles seguidores tales como Henri-Edmond Cross y Vlaho Bukovac.

Este movimiento, dentro de las coordenadas del Postimpresionismo, parte también de la imagen de la naturaleza, es decir, del mismo motivo que los impresionistas, pero para ellos serán unas leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que caractericen la esencia de la pintura. Su material de reflexión serán, sobre todo, los escritos de Charles Blanc y, de un modo más radical los impresionistas, los tratados científicos de Chevreul, Sutter, Rood y otros. Gracias a ellos, el Puntillismo vio abierto ante sí un campo en el que su tarea habría de ser la aplicación metódica de sus conocimientos y la reconciliación de los rígidos principios del dibujo con los principios ópticos intuidos por los grandes coloristas. La mente lógica y reflexiva de estos pintores pedía la reducción del instinto al orden, del impulso al cálculo, reduciendo a lo esencial, no sólo los temas de la vida moderna o el paisaje, sino también el método impresionista de presentarlos.

A pesar de lo aparentemente acertado de la denominación de puntillismo, sobre todo en lo que se refiere a la técnica de este grupo, ni Seurat ni Signac la aceptaron nunca y ambos condenaron y evitaron rigurosamente este término a favor del de "divisionismo", que abarcaba mejor todas sus innovaciones.

Buenas Noches

La cara triste del Circo

EN EL CIRCO LOS ANIMALES SUFREN:
CASTIGOS, SOLEDAD Y ENCIERRO A PERPETUIDAD.

EL CIRCO NO DEBE SER UNA CÁRCEL PARA ANIMALES.

LOS HECHOS:
TRANSPORTE Y CONFINAMIENTO:

Los circos no pueden, por sus propias características, atender ni de lejos las necesidades naturales de los animales que presentan. En el caso de los circos itinerantes, a lo largo de sus interminables giras de 9 a 10 meses al año, no hay otro remedio que mantener a los animales encadenados por una pata delantera y otra trasera -lo que tan sólo les permite tumbarse y levantarse o arrastrarse un par de pasos adelante y atrás- o aprisionados dentro de camiones jaulas menos durante el entrenamiento o los escasos minutos que dura su número.
Además, durante larguísimos desplazamientos de hasta 10/12 horas, los animales soportan en su rincón, sin luz y sin ventilación, el frío del invierno y el calor del verano mientras se asfixian con el metano de sus propios excrementos a pesar de que se acostumbra a mantenerles sedientos para que orinen menos.

CONDUCTAS AGRESIVAS Y LOCURA:

Este es un cruel modo de vida, caracterizado por el aislamiento, el castigo, el miedo y el cautiverio y no es de extrañar que un elefante viva más de 70 años en su medio natural pero solo alcance los 14 o 15 años en cautividad.
Este hecho se repite en todos los animales tan miserablemente utilizados y explica porque estas hermosas criaturas nacidas libres -tigres, leones, cebras, osos y elefantes ..- mantenidos en estas condiciones cada día de su dantesca existencia se vuelven literalmente locos. Separados de sus congéneres, encerrados y amarrados, sometidos a privaciones y frustrados sus instintos naturales, suelen desarrollar conductas neuróticas como movimientos repetitivos e incesantes consistentes en oscilaciones, vueltas, agitación y mordisqueo de los barrotes de sus jaulas, etc., que también se pueden convertir en conductas inesperadamente agresivas.

DOMA O ADIESTRAMIENTO:

Existe aquí una combinación de castigo y recompensa, con mayor proporción de castigo ya que muy pocos ejercicios y trucos están basados en comportamientos naturales. Entre los métodos de "persuasión", se siguen encontrando varas, estacas con pinchos, látigos y también sistemas más modernos como los electroshocks de bolsillo con descarga de poco voltaje, todos ellos por supuesto oculto a la vista del espectador. Aún con esto, un estudio reciente de la RSPCA británica (Real Sociedad Protectora de Animales) reveló que, en más de un 40% de los casos analizados, los grandes felinos se resistían a salir al escenario por lo que había que forzarlos a hacerlo.
Rainiero Garibaldi, dueño de un circo llamado ecológico porque no "usa" animales explica: "En algunos casos he colaborado con domadores y adiestradores y he comprobado los métodos de aprendizaje impuestos a los animales. Los buenos resultados se obtienen en gran parte gracias a la violencia ... He sido testigo de verdaderas masacres de animales y he comprobado las condiciones en las que viven".

CONSERVACIÓN Y EDUCACIÓN:

Estas son dos razones por las que los circos con animales intentan justificar su continuidad en una Europa que les cierra sus puertas. Por supuesto, al igual que en otros lamentables espectáculos, la simple tradición no puede justificar las miserias inflingidas a seres sensitivos. Muy al contrario, no sólo los circos no tienen ninguna función conservacionista que desempeñar, sino que constituyen una causa más de extinción de especies salvajes para las cuales las disposiciones de la convención CITES son papel mojado. El arriba mencionado estudio de la RCSPA revelaba que, de los 36 elefantes indios y africanos que viajaban en circo por el Reino Unido, 34 habían sido capturados en estado salvaje, pasando bruscamente de la familia a la soledad y del campo las jaulas y los castigos.
En cuanto a educación, los circos enseñan precisamente la peor actitud posible hacia los animales, despojando a unas magnificas criaturas de su dignidad a base de forzarlas a realizadas trucos estúpidos y dolorosos.
Debemos enseñar a los pequeños a respetar y apreciar el mundo y sus demás habitantes. Por ello es preciso recordar una de las conclusiones de la conferencia de 1981 de la Asociación de Profesores Tutores en la que se recomienda que: "a los niños se les debería disuadir de asistir a cualquier tipo de exhibición o atracción que involucre a animales en manifestación indigna, alojándoles en habitáculos no satisfactorios, o sometidos a sospechas métodos de entrenamiento".

¿QUE PUEDES HACER?

El mejor argumento es el BOICOT. Si no asistes a circos que usan animales, ellos dejarán de usarlos. En su lugar, disfruta con circos y espectáculos sin animales que ofrecen estupendos trucos o programas si crueldad.
Aquí en España existe el circo ecológico de la actriz Alejandra Botto que no ha querido incorporar animales al espectáculo porque para adiestrarlos hay que maltratarlos. Por eso, en su lugar, apararecen personas disfrazadas. Además se intenta concienciar a los niños de la importancia de cuidar nuestro entorno y no contribuir a su destrucción.

¡NO CALLES! Da a conocer las razones de tu postura a tu familia y amigos enseñándoles este folleto o cualquier otro artículo y documento que defienda la misma postura.
ESCRIBE o LLAMA a los medios de comunicación para atraer su atención sobre la realidad del circo. Piensa que aunque los números con animales se presenten como proezas dignas de alegría, no son más que el resultado de trabajos forzosos, vejaciones y penurias de por vida. No dejes de expresar tu opinión en cualquier circunstancia.

¡ POR UN CIRCO SIN ANIMALES !

Santiago desde mi balcón

El arte de Crear

Creatividad es liberar tu imaginación, confiar en tu intuición, buscar nuevas ideas con pasión y aterrizarlas en la vida.

El arte de crear esta conectado con el arte de escuchar, aprender del riesgo, ver como posible lo imposible, dejar de lado la mente racional y trabajar con el pensamiento lateral del hemisferio derecho. Los creativos dicen que las ideas les llegaron cuando se soltaron y entraron en un estado sereno que los expertos llaman 'flujo'.

El profesor Robert Tucker, autoridad mundial en materia de innovación asegura que las compañías de más crecimiento viven abiertas al cambio porque saben que allí están las mejores oportunidades. Son compañías innovadoras como 3M o Apple que implantan un sistema para administrar las nuevas ideas y logran una innovación participativa de todos los empleados, clientes y aliados.

Una empresa innovadora aplana la pirámide corporativa, evita una jerarquía limitante y empodera a las personas. Solo es posible innovar cuando omites tantas suposiciones que crean barreras. Daniel Goleman llama a las siguientes creencias 'asesinas de la creatividad' porque bloquean la innovación: 'Yo no soy creativo', 'imposible', 'Ya fue probado y no sirvió'. Otras bien dañinas son: '¿Y si fracaso?', 'Nunca se ha hecho así', 'No necesito cambiar, así soy buen jefe'. Innovar te regala clientes más satisfechos, y te diferencia de la competencia.

Para aprovechar tu creatividad mantén despierta tu capacidad de asombro, ponle alas a tu imaginación, cuestiónate sin criticarte, juega y no temas equivocarte. Un creativo confía y no le teme al futuro. "Una persona que jamás cometió un error, nunca probó nada nuevo". Einstein , Tú te beneficias del futuro con técnicas como éstas: sal y visita a tus clientes, habla con ellos y mira qué quieren, lee vorazmente y aprende.

Elige conocer lo último en tecnología o tendencias actuales, y experimenta con nuevos métodos o propuestas. También el humor es importante y, como dice Daniel Goleman en su excelente libro El espíritu creativo: "el humor acelera las ruedas de la creatividad". Para Roger Von Oech, un experto mundial en este tema "la creatividad no brota de un chispazo genial; nace de acumular abundantes conocimientos, de una gran disciplina, de un enfoque metódico, y de mucha perseverancia.

Para poder innovar hay que cultivar dos actitudes: una constructiva y otra destructiva. La primera es usar la imaginación para generar nuevas cosas. La segunda se refiere a la imperiosa necesidad de acabar con viejas creencias que ya no tienen vigencia, con prejuicios y estereotipos.

Es más fácil poner que quitar, pero es indispensable despojarse de lastres mentales que son los principales enemigos de la creatividad". El reto es creer en tu creatividad y abandonar la funestaVMP: 'Vieja Manera de Pensar'. Pregúntate con frecuencia: ¿cuál será mi siguiente innovación revolucionaria?, ¿cuál la de mi empresa? Cree, que siempre hay un mejor modo de hacer las cosas.

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Cine Arte

También conocido como "Art film", "Cine de arte", "Cine alternativo" o "Cine no comercial" es un término utilizado para referirse al cine con fines exclusivamente artísticos, siendo generalmente de carácter independiente, sin aspiraciones de éxito comercial y destinado a una audiencia determinada, en lugar de una audiencia de masas.

Este tipo de cine suele ser hecho por pequeñas compañías, cuya línea de producción contrasta con las que tienen como objetivo la taquilla y el consumo masivo, en donde los grandes presupuestos y efectos especiales están por sobre la trama y desarrollo de la cinta. El cine arte cuenta con una mayor libertad creativa, mostrando temas controversiales o dramáticos, resultando a veces difíciles de entender, puesto que pueden tratar acerca de sentimientos, pensamientos o sueños, intentando emular una realidad interior, resultando muy subjetivo. Por estos motivos, el cine arte tiende a ser considerado una identificación utilizada para denominar al cine de autor, debido a que las películas se identifican por el sello que su director pueda imprimir en ellas y es de alguna forma la visión del director su principal característica.
A pesar de que el potencial artístico del cine comenzó a explotarse en la década de 1910, no existía una diferencia entre el cine comercial o cine arte y dichos términos no existían. Los primeros indicios de cine arte vienen de aquellos que buscaban la innovación añadiendo estética, como el caso de D. W. Griffith con El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). Esta tendencia continuaría desarrollándose en cintas como Strike (1925), El acorazado Potemkin (1925) de Sergéi Eisenstein y La pasión de Juana de Arco (1928) de Carl Theodor Dreyer. Artistas contempéranos se interesaron en el cine como Luis Buñuel y Salvador Dalí con los filmes Un chien andalou (1929) y La edad de oro (1930) apoyados por el movimiento surrealista, por entonces se daría el primer movimiento cinematográfico conocido como Cinema Pur integrado por artistas del dadaísmo como Man Ray, René Clair, Dudley Murphy y Marcel Duchamp.

Escuela Anti Arte

El dibujo, la música y los concursos serán los elementos principales de la primera sesión de la Escuela Anti Arte en Centro Arte Alameda.

Dr.Sketchy Santiago te invita a la primera sesión de la Escuela de Anti Arte, donde podrás dibujar a las modelos más bizarras y sensuales, acompañadas por buena música, concursos a cargo del sex shop Jani Jane y de los Engendros. Trae tus propios materiales y aprende carreteando.

Primera Sesión: Domingo 25 de abril a las 21:00, en el Centro Arte Alameda.
Modela: Katona, Zombie Queen y vocalista de la banda Vodoo Zombie.
Valor: $3000.

Net art

Net.art designa a la producción artística realizada ex profeso en y para la red internet. El net.art es una de las formas de arte interactivo habilitadas por los soportes digitales, y las prácticas comunicativas generadas por ellos.

La denominación net punto art designa las prácticas artísticas que apuntan a una experiencia estética específica en internet como soporte de la obra, y señalan o desarrollan un lenguaje característico. Net.art se distingue de otras denominaciones como web.art, u otras donde se mezclan la producción artística con la difusión del arte, o los recursos estéticos aplicados al diseño web.

Una obra de net.art tiene como caracteríatica fundametal el uso de los recursos de la red para producir la obra. Esto puede ser en forma de uso de datos tomados de internet o del usuario ó uso de programación en el servidor, formularios, email, etc. Ejemplos de lo que no es net.art son películas autónomas interactivas en flash que pueden ser reproducidas offline.

El misterio de los ojos de la Virgen de Guadalupe

En 1929, Alfonso Marcué, quien era el fotógrafo oficial de la antigua Basílica de Guadalupe en la ciudad de México, descubrió lo que parecía una clara imagen de un hombre con barba reflejada en el ojo derecho de la Virgen. Al principio no podía dar crédito a lo que estaba viendo: cómo podía ser?, Un hombre con barba dentro de los ojos de la Virgen de Guadalupe?. Pero luego de varias inspecciones de sus fotografías en blanco y negro de la imagen ya no tuvo mas dudas y decidió que era tiempo de informar a las autoridades de la Basílica. Así lo hizo, y le fué indicado por estas que se guardara completo silencio sobre el descubrimiento, lo que Marcué cumplió al pie de la letra.

Mas de 20 años después, el 29 de mayo de 1951, el dibujante mexicano José Carlos Salinas Chávez, luego de examinar una buena fotografía de la cara de la imagen, redescubre la imagen de lo que parece ser un busto humano reflejado en el ojo derecho de la Virgen, y luego también en el ojo izquierdo.
Desde entonces, mucha gente ha tenido la oportunidad de inspeccionar de cerca los ojos de la Virgen en la tilma, incluyendo mas de 20 médicos oftalmólogos.
El primero fue el prestigioso médico oftalmólogo mexicano Dr. Javier Torroella Bueno, el 27 de marzo de 1956. En lo que constituye el primer reporte emitido por un médico sobre los ojos de la imagen, él certifica la presencia del triple reflejo (Efecto de Samson-Purkinje) característico de todo ojo humano normal vivo y afirma que las imágenes resultantes se ubican exactamente donde deberían estar según el citado efecto, y también que la distorsión de las imágenes concuerda perfectamente con la curvatura de la córnea.

Ese mismo año otro oftalmólogo, el Dr. Rafael Torrija Lavoignet, examinó los ojos de la imagen ya con mas detenimiento y con la utilización de un oftalmoscopio. El Dr. Lavoignet reporta la aparente figura humana en las córneas de ambos ojos, con la ubicación y distorsión propias de un ojo humano normal, notando además una inexplicable apariencia "viva" de los ojos al ser examinados.
Varias otras inspecciones de los ojos han sido realizadas por médicos oftalmólogos luego de éstas iniciales. Con mayores o menores detalles todas concuerdan en general con las dos primeras aquí expuestas.

Una nueva y fascinante clase de estudio y análisis de los ojos comenzó en 1979, por el Dr. José Aste Tonsmann, un graduado de la Universidad de Cornell trabajando para IBM en procesamiento digital de imágenes, al digitalizar éste a altas resoluciónes una muy buena fotografía de la cara de la Virgen tomada directamente de la tilma original.
Luego de procesar las imágenes de los ojos por diversos métodos para eliminar "ruidos" y destacar detalles el Dr. Tonsmann realizó lo que serían incríbles descubrimientos: no solamente era claramente visible en ambos ojos el "busto humano", sino también por lo menos otras cuatro figuras humanas eran también visibles en ambos ojos.
El Dr. Aste Tonsmann publicó sus últimos estudios efectuados sobre los ojos en la tilma con completos detalles y fotografías. Quizás uno de los aspectos mas fascinantes de su trabajo es su opinión de que Nuestra Señora no solo nos dejara su imagen impresa como prueba de su aparición sino también ciertos mensajes que permanecieron escondidos en sus ojos para ser revelados cuando la tecnología permitiese descubrirlos y en el tiempo en que fueran mas necesarios.
Este sería el caso de la imagen de una familia presente en el centro de los ojos de la Virgen, en momentos en que la Familia se encuentra precisamente ante serios ataques en nuestros días. La imagen de varias figuras humanas que parecen constituir una familia, incluyendo varios niños y un bebé llevado en la espalda por su madre como se acostumbraba en el siglo 16, aparece en el centro de la pupila de la Virgen, como centro de su mirada, como se puede apreciar en esta excelente imagen del ojo derecho resaltando la familia, provista gentilmente por el Dr. Aste Tonsmann.

Obras de Leonardo Da Vinci

Manos Pintadas

Fotografías que impactaron al mundo

Body Art

El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.
Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento.

Arte en arena (Kseniya Simonova)

Women in art

El Rincón de los Canallas

Este rincón se convirtió en el refugio de los perseguidos políticos durante la dictadura, por eso se pide santo y seña para entrar, la cual es "Chile Libre".Una de las características de este restaurant son los nombres de los platos, que se adaptan a la actualidad política, como es el Costillar de Coimas, el Vitalicio, Punta Peuco y muchos otros.

La mujer en el mundo del arte

LA MUJER COMO TEMA


1. La iconografía de la mujer como reproductora de tópicos.
Respecto a la mujer como tema, se constata el gran número de obras de arte que a lo largo de la historia la han considerado como punto de inspiración. Salvo notables excepciones, la representación de la mujer ha corrido a cargo de artistas masculinos, reflejando ciertos tópicos como aludir más a sus rasgos sexuales y físicos que a los intelectuales, asociarla más a lo biológico que a lo cultural... La asociación de la mujer a la maternidad, la biología, la belleza y la sensualidad es ancestral. Ello no sería ningún problema salvo que ésta fuera únicamente su función en el arte:


Donde se refleja esa belleza que lo mismo puede verse reflejada en su exterior como en su interior, en obras -por ejemplo- como en la Venus de Botticelli, como la Maja Vestida y desnuda de Goya, como la Gioconda de Leonardo da Vinci... Y ya, si partimos un poco del Arte Religioso, pues la Inmaculada de Murillo...



A pesar de la mujer verla como (...) modelo, hay que verla a través del punto de vista por ejemplo como mujer y como madre (...) Cuando tratan de hacer humana a una mujer, tratan de pensar un poco en su madre...


Bueno, tienen diferente gusto. Supongo porque... el de Dalí, el de Picasso, parece cosa de hombres. - En cambio a las mujeres parece que les gusta más pintar un ramo de flores.


2. La iconografía de nuestro siglo de la mujer, cuando es realizada en primera persona, altera los tópicos sobre su identidad.
Ha sido en nuestro siglo cuando la mujer ha hablado sobre sí misma con mayor intensidad, en primera persona:


(En referencia a la pintora Montserrat Gudiol) Yo creo que (...) la ves quizás preocupada por la situación de la vida como es. Porque yo creo que en este concepto la mujer se preocupa más... que... los hombres de... no sé si por su sentido maternal o por su sentido cultural...


3. A pesar de todo... el balance histórico sobre el protagonismo femenino en la iconografía es positivo.
Está muy extendida la idea de que el arte confiere a lo representado un carácter excepcional, especial.... Así, en la visión de obras de arte del pasado en las que aparece la mujer, ésta se percibe normalmente dignamente (lo que no deja de ser un tópico, ya que la historia del arte está llena de excepciones), incluso superando en este sentido al tratamiento icónico que de ella hace hoy día la publicidad:


Lo que quería era darle importancia a la mujer. O sea, fíjate, que a veces tenemos... que la mujer está explotada en televisión, y todo como una cosa por belleza. Y, sin embargo, Miguel Ángel no lo hacía por eso, que lo hacía porque así le daba importancia a la mujer.


LA MUJER COMO ARTISTA


1. Desconocimiento de las mujeres artistas del pasado.
La opinión mayoritaria es que no han existido mujeres artistas, salvo contadísimas excepciones:


Hemos hablado de... de que hay más hombres que son artistas. No sé por qué será, si es porque están más, o tienen más vocación, o tienen más medios que la mujer... Antiguamente no se conocen muchas pintoras... y ahora muy pocas también, y escultoras también pocas.

Si en el arte no hay muchas mujeres es porque ya desde un principio desde la prehistoria, solamente pintaban los hombres. Las mujeres se dedicaban a las labores del campo, a cuidar a sus hijos... Esto de pintar solamente lo tenían que hacer los hombres, como si estuviera mal visto que la mujer ...pues ... pintara.


2. Conciencia de la ocultación de la creatividad femenina.
Si observamos con atención la historia del arte, veremos que ello no es así. Desde el siglo XIX ha habido un proceso de ocultación de escultoras, pintoras... de los manuales de arte, de los museos... incluso olvidando documentos que desde la antigüedad hacían referencia a estas mujeres. Veremos en algún libro que Ende aparece como iluminador del Beato de Girona en el siglo X, cuando era una mujer según nota manuscrita en la propia obra; o que Sabina von Steinbach -escultora de la catedral de Estrasburgo- ha preferido ser interpretada por algunos como donante y no como escultora (en contradicción con a pesar de la inscripción que aparece en la propia obra)... Tan solo a finales del siglo pasado las mujeres pudieron entrar en las academias, institución legitimadora del aprendizaje artístico; es curioso que esto se produjera precisamente cuando éstas comenzaran a ser cuestionadas. Así, se ha desterrado a la mujer al estricto ámbito de lo doméstico (hogar, familia...), lo biológico (flujos, maternidad...), a lo banal en arte (clases de pintura para chicas de la alta burgesía), a las labores del hogar (a las cuales está muy vinculada la artesanía)...:


...Difiero un poco con la compañera de eso que hay más pintores que pintoras. A mi me parece que eso no es totalmente cierto. Lo que pasa (...) ¿que hay más cocineros que cocineras? No es verdad. Lo que pasa es que los que siempre salen en la tele son los hombres (...), lo que pasa que cuando suben o llegan a lo alto casi siempre son hombres.


Yo misma... no he podido nunca... dedicarme a esto (se refiere a la pintura), porque he tenido que estar por los hijos.

Yo pienso que el hombre siempre ha tenido los medios...


3. Marginación de la creatividad femenina.
La creatividad realizada tradicionalmente por mujeres se ha desplazado en numerosas ocasiones a la artesanía o las "manualidades", a lo banal y lo decorativo... Curiosamente, muchas artistas actuales reivindican la dignidad de estos espacios de creatividad:


Hay una señora, la Ana, que si estuviera aquí... Hace unos bonsais con piedrecitas y con pintura de la uña que eso es arte... Es arte porque es con piedrecitas de playa... Y ella, con cable de la luz, va haciendo bolitas, bolitas, bolitas... Esas bolitas que quedan huecas se pintan con pintura de las uñas. Cada una del color que quiere (...). Y unas personas enseñan unas cosas a otras, y la otra que sabe bolillos las enseñan a las otras... Y todo eso es arte porque no es nadie profesional, oye, y salen cosas preciosas...


4. La mujer aporta ciertos rasgos específicos a la creación artística.
Hay una tendencia a valorar una perspectiva diferente en la creatividad femenina y la masculina:


Yo creo que a lo mejor, a la hora de expresar los valores, pueden estar diferenciados (...). Para decir una misma cosa y expresar una misma cosa..., pues pueden haber rasgos diferentes.


MUJER COMO ESPECTADORA


1. Igualdad esencial de la mirada masculina y femenina.
El diálogo con la obra de arte es, en principio, independiente del género.


Pues el arte encuentro que es una cosa muy bonita para todos nosotros, tanto hombres como mujeres.


2. Ciertos rasgos ideales de género se trasladan a la mirada.
A pesar que las capacidades innatas son iguales para hombres y mujeres, las preferencias, la sensibilidad.., tiene particularidades según el género:


Yo siento el arte como lo sientes tú. Lo que pasa es que cada uno lo siente... Por ejemplo, a mí me entusiasman los paisajes, un mar embravecido (el participante es un hombre).


3. Situaciones específicas de la mujer como espectadora.

a) La mujer que no tiene una posición económica favorable, cuando gestiona el hogar, tiene limitaciones económicas.
b) La mujer, cuando gestiona el hogar, tiene flexibilidad de horario para realizar cursos, visitas
c) La mujer, a una cierta edad, demuestra más abiertamente la necesidad de relacionarse, para lo cual realizan actividades culturales:


Yo tenía una tienda y la dejé y no sabía qué hacer. Y yo pensé que había que hacer algo... (la señora describe cómo empezó a ir a un curso de pintura en que también se realizaban visitas culturales, a los 59 años).

Graffiti callejero (Sta Isabel, Stgo Centro)

La palabra "graffiti" tiene sus orígenes en la palabra griega graphein que significa escribir. Esto evolucionó en la palabra latina graffito. Graffiti es la forma plural de graffito.
Cuándo empezó el grafitti? Pues la historia moderna de graffiti se remonta a los años 60 cuando empezó en Nueva York, influído por la música hip-hop. Los primeros artistas de graffiti se dedicaban a firmas, y vivían y pintaban en Nueva York.